La naissance de « Theatreland » : comment le quartier des théâtres de Londres a vu le jour

Le « Theatreland » londonien n’est pas né par hasard. La concentration de théâtres autour de Shaftesbury Avenue, du Strand et de Covent Garden trouve ses origines dans les années 1660, lorsque le roi Charles II n’accorda que deux licences royales (« patent licences ») pour les représentations théâtrales — au Theatre Royal Drury Lane et au Theatre Royal Covent Garden. Pendant près de deux siècles, ce furent les seuls lieux légalement autorisés à présenter des pièces à Londres.

Le grand essor des constructions de théâtres a eu lieu à l’époque victorienne. Entre 1870 et 1910, des dizaines de nouveaux théâtres ont été bâtis dans le West End, portés par l’expansion du réseau ferroviaire (qui amenait des spectateurs de tout le pays), la technologie de l’éclairage au gaz (qui rendait les représentations en soirée plus pratiques) et l’appétit croissant de la classe moyenne pour les divertissements. Beaucoup des théâtres que vous pouvez visiter aujourd’hui datent de cette période exceptionnelle.

La géographie de « Theatreland » a été façonnée par des facteurs très concrets. Les théâtres se sont regroupés près des grands pôles de transport et des axes principaux, afin que le public puisse s’y rendre facilement. La proximité des restaurants, pubs et hôtels a créé un écosystème du divertissement auto-entretenu. Au début du XXe siècle, le secteur de Shaftesbury Avenue, Drury Lane et du Strand était devenu le cœur incontesté du théâtre britannique.

Merveilles architecturales : les bâtiments eux-mêmes

Les théâtres du West End sont des trésors architecturaux, dont beaucoup sont classés Grade II ou Grade II*. Les intérieurs sont souvent à couper le souffle — stucs ornés, balcons dorés, plafonds peints et lustres antérieurs à l’électricité. Le Theatre Royal Drury Lane, reconstruit en 1812, est le plus ancien site théâtral en activité continue à Londres, même si le bâtiment actuel est le quatrième édifié à cet emplacement.

Frank Matcham fut le plus grand architecte de théâtres des époques victorienne et édouardienne, ayant conçu ou remodelé plus de 150 théâtres à travers la Grande-Bretagne. Ses réalisations au London Palladium, au London Coliseum et au Hackney Empire sont de véritables leçons d’architecture théâtrale — chaque ligne de vue est pensée, chaque élément décoratif contribue à créer un sentiment d’événement et d’émerveillement.

Le défi, pour les propriétaires de théâtres d’aujourd’hui, consiste à entretenir ces bâtiments historiques tout en répondant aux attentes du public contemporain. De grandes rénovations, dans de nombreuses salles du West End, ont permis d’installer la climatisation, d’améliorer l’accessibilité, de moderniser les sièges et de remettre à niveau les espaces techniques en coulisses, tout en préservant avec soin le caractère historique qui rend ces lieux si particuliers. Lorsque vous visitez un théâtre comme l’Apollo Theatre, vous entrez dans une histoire toujours vivante.

Histoires de fantômes et superstitions théâtrales

Presque chaque théâtre du West End a son histoire de fantôme attitrée. Le Theatre Royal Drury Lane revendique « l’Homme en gris » — une silhouette spectrale, coiffée d’un tricorne et vêtue d’une cape d’équitation grise, qui apparaîtrait, dit-on, au balcon supérieur lors des répétitions en après-midi. On raconte que le fantôme de l’Adelphi Theatre serait celui de l’acteur William Terriss, assassiné devant l’entrée des artistes en 1897. Depuis plus d’un siècle, des membres du personnel de l’Adelphi signalent des bruits de pas inexpliqués et des portes qui s’ouvrent toutes seules.

Les superstitions au théâtre sont profondément ancrées. On ne prononce jamais « Macbeth » à l’intérieur d’un théâtre — on dit toujours « la pièce écossaise ». On ne siffle jamais en coulisses, une tradition qui remonte à l’époque où les machinistes étaient d’anciens marins et utilisaient des codes sifflés pour coordonner les changements de décor. Une mauvaise générale est considérée comme un bon présage. Les plumes de paon sont interdites sur scène. Ces superstitions peuvent sembler désuètes, mais elles sont respectées avec un sérieux étonnant dans le théâtre professionnel.

Au-delà des récits de fantômes, de nombreux théâtres ont des histoires véritablement dramatiques. Le Victoria Palace Theatre a survécu aux bombardements du Blitz. L’Old Vic était autrefois un tristement célèbre débit de gin, avant d’être transformé en théâtre par Emma Cons en 1880. Le Criterion Theatre est presque entièrement souterrain. Chaque salle possède des strates d’histoire qui enrichissent l’expérience d’y voir un spectacle.

Des productions emblématiques qui ont marqué leur théâtre

Certains spectacles deviennent si étroitement liés à leur théâtre que, dans l’imaginaire du public, ils finissent par ne faire qu’un. The Mousetrap se joue au St Martin’s Theatre depuis 1974 (et auparavant à l’Ambassadors Theatre depuis 1952). Les Misérables a été à la Queen’s Theatre (aujourd’hui le Sondheim Theatre) pendant plus de trente ans. The Phantom of the Opera a hanté Her Majesty’s Theatre pendant plus de trois décennies.

Ces productions à l’affiche pendant des années transforment leurs salles, à la fois physiquement et culturellement. Les théâtres sont souvent rénovés pour répondre aux exigences techniques spécifiques d’un spectacle. La célèbre scène tournante des Misérables était une installation permanente. Le mécanisme du lustre de Phantom a été intégré à l’infrastructure de la salle. Lorsque ces spectacles se terminent enfin, les théâtres doivent souvent être profondément remaniés pour accueillir de nouvelles productions.

La relation entre un spectacle et son lieu peut aussi être plus subtile. Certains théâtres se forgent une réputation pour des types de créations précis — le Donmar Warehouse pour des pièces intimistes et percutantes ; l’Old Vic pour des reprises ambitieuses et de nouvelles écritures ; le National Theatre pour un répertoire très large. Ces identités attirent un public qui fait confiance à la salle en tant que marque, quel que soit le spectacle à l’affiche.

L’avenir des théâtres du West End

Les théâtres londoniens doivent relever le défi de rester pertinents dans un monde de streaming, de jeux vidéo et de divertissements numériques infinis. Jusqu’à présent, la réponse a été de miser sur ce qui rend le théâtre vivant unique — l’expérience partagée, l’énergie irremplaçable de la scène et la beauté saisissante de ces bâtiments historiques.

Ces dernières années ont été marquées par des investissements importants dans les infrastructures théâtrales. De nouveaux lieux, comme le @sohoplace, ont ouvert, le London Palladium a fait l’objet d’une vaste rénovation, et un programme continu d’améliorations de l’accessibilité se déploie dans tout « Theatreland ». Les expériences de théâtre immersif, les spectacles interactifs et l’utilisation de lieux atypiques élargissent la définition de ce que peut être le théâtre.

Pour le public, chaque visite dans un théâtre du West End est une occasion de participer à une tradition vieille de plusieurs siècles. Lorsque vous réservez un spectacle sur tickadoo, vous ne vous contentez pas d’assister à une représentation — vous prenez place dans un bâtiment qui a connu d’innombrables premières, des ovations debout et des instants de véritable magie théâtrale. Les murs ont des histoires, et elles continuent de s’écrire.