신작 제작비의 가격표

웨스트엔드의 완전 신작 뮤지컬을 무대에 올리는 데는 보통 £5 million에서 £15 million 정도가 듭니다. 화려한 세트와 특수효과를 갖춘 블록버스터급 프로덕션은 그보다 훨씬 더 높아질 수 있습니다. 신작 연극은 제작 요구 사항이 더 단순하기 때문에 비용이 훨씬 낮아, 대체로 £500,000에서 £3 million 사이입니다. 이는 ‘초기 제작비(캐피털라이제이션 비용)’로, 리허설실에서 무대까지 공연을 올리기 위해 필요한 자금입니다.

그 많은 돈은 어디로 갈까요? 세트 제작이 종종 단일 항목으로는 가장 큰 지출이며, 그다음으로 마케팅과 광고(첫날부터 객석을 채워야 하니까요), 극장 임대료와 보증금, 의상 제작, 기술 장비, 리허설 비용, 그리고 창작진의 개런티가 뒤따릅니다. 뮤지컬의 경우, 편곡자가 작곡가의 악보를 각 악기 파트로 완성하도록 비용을 지급하는 ‘오케스트레이션’ 비용만으로도 수십만 파운드(6자리 수)에 이를 수 있습니다.

웨스트엔드 프로덕션의 투자자는 사실상 벤처캐피털과 같습니다. 새 프로덕션의 대부분은 손실을 봅니다. 업계 추산에 따르면 신작 뮤지컬은 대략 5편 중 1편, 신작 연극은 4편 중 1편 정도만 투자금을 회수합니다. 다만 성공하는 작품은 예외적으로 높은 수익을 만들어낼 수 있는데, 장기 흥행작은 초기 투자금의 몇 배를 돌려주기도 합니다.

주간 운영비: 극장의 끝없는 러닝머신

공연이 개막하면 주간 운영비가 발생하기 시작하며, 마지막 커튼콜까지 멈추지 않습니다. 대규모 웨스트엔드 뮤지컬의 주간 운영비는 보통 £300,000에서 £600,000 수준입니다. 연극은 더 저렴해, 대개 주당 £80,000에서 £200,000 사이입니다.

가장 큰 지속 비용은 인건비입니다. 대형 뮤지컬은 출연진 30~40명, 연주자 15~25명, 무대 뒤 스태프와 하우스 스태프 50~80명을 고용하기도 합니다. 주역을 맡은 주요 배우는 주당 £2,000에서 £5,000을 받을 수 있으며, 앙상블은 배우 조합(Equity) 최저 출연료에 협상된 추가 수당이 더해집니다. 극장 임대료도 상당한 비용으로, 공연장에 따라 주당 £25,000에서 £75,000까지 다양합니다.

그 밖의 주간 비용으로는 마케팅과 광고(흥행작도 홍보를 멈추지 않습니다), 창작진 로열티(통상 총 티켓 매출의 8~12%), 장비 유지보수, 의상 교체, 소모품, 보험, 공과금 등이 있습니다. 모든 비용이 끊임없이 누적됩니다. 공연 비즈니스의 경제 현실은 단순합니다. 이 비용을 감당하려면 매주 충분한 티켓을 판매해야 하며, 그렇지 못하면 공연은 종료됩니다.

티켓 가격이 결정되는 방식

공연 티켓 가격 책정은 대부분의 관객이 생각하는 것보다 훨씬 정교합니다. 많은 웨스트엔드 공연은 항공사와 유사한 다이내믹 프라이싱(수요 기반 변동 가격) 모델을 사용해, 수요, 요일, 계절, 예약 시점(얼마나 미리 예매했는지)에 따라 가격이 변동됩니다. 그래서 일찍 예매하면 더 좋은 가격을 확보하는 경우가 많습니다.

일반적인 웨스트엔드 공연의 티켓 가격은 시야 제한 좌석 £20부터 프리미엄 스톨(1층) £200+까지 다양할 수 있습니다. ‘총 잠재 매출’—모든 회차에서 모든 좌석이 정가로 판매될 때 가능한 최대 매출—은 대형 뮤지컬의 경우 주당 £400,000에서 £800,000 수준일 수 있습니다. 하지만 실제로는 공연이 정가로 100% 객석 점유율을 달성하는 일이 드물기 때문에, 실제 주간 매출은 보통 총 잠재 매출의 60~85% 수준입니다.

할인 티켓, 단체 요금, 우대 요금은 모두 매출을 깎아 먹지만 중요한 목적이 있습니다. 러시 티켓과 당일석은 젊은 관객층의 충성도를 높입니다. 단체 요금은 자칫 비어 있을 수 있는 좌석 블록을 채워 줍니다. 우대 요금은 접근성을 보장합니다. 가격 전략의 핵심은 매출과 객석 점유(실제로 앉아 있는 관객 수) 모두를 극대화하는 ‘최적 지점’을 찾는 것입니다. 객석이 절반 비어 있는 극장은 모두의 분위기를 망치기 때문입니다.

투자금 회수까지의 여정

상업 공연에서 ‘투자금 회수(Recoupment)’는 마법 같은 단어입니다. 공연이 초기 투자금 전액을 벌어들여 되돌려주는 시점을 뜻합니다. 회수 전까지 투자자는 수익을 받지 못합니다. 회수 이후에는 보통 프로듀서와 투자자가 이익을 배분하며, 창작진은 계속해서 로열티를 받습니다.

투자금 회수까지 걸리는 기간은 매우 다양합니다. 제작비가 비교적 적고 인기가 높은 연극은 몇 달 안에 회수할 수도 있습니다. 대형 뮤지컬은 잘 팔리더라도 1년 이상 걸릴 수 있습니다. 어떤 작품은 웨스트엔드 공연 기간 중에는 회수하지 못하지만, 투어 프로덕션, 해외 라이선스, 영화화 등을 통해 비용을 만회하기도 합니다.

장기 공연은 시간이 지날수록 수익성이 높아지는 경향이 있는데, 많은 비용이 초기에 집중되기 때문입니다. 세트는 이미 만들어졌고, 의상도 제작됐으며, 입소문이 쌓이면 마케팅 비용도 종종 줄어듭니다. 세인트 마틴스 극장의 <쥐덫(The Mousetrap)>은 70년이 넘도록 공연 중인데, 일관된 관객 수에 비해 주간 운영비가 상대적으로 낮아 역사상 가장 상업적으로 성공한 프로덕션 중 하나로 꼽힙니다.

그럼에도 극장이 살아남는 이유

합리적인 비즈니스 분석만 놓고 보면, 상업 공연은 끔찍한 투자처입니다. 실패율은 높고, 비용은 막대하며, 마진은 얇고, 작품이 아무리 좋아도 성공이 보장되지 않습니다. 그럼에도 웨스트엔드는 계속 번창하며, 연간 £900 million이 넘는 티켓 매출을 창출하고 수만 개의 일자리를 뒷받침합니다.

그 답은 ‘라이브 공연’이 대체 불가능하다는 사실에 일부 있습니다. 어떤 스트리밍 서비스도, 어떤 홈시네마 시스템도, 어떤 가상현실 헤드셋도, 어두운 극장에서 천 명의 사람들과 함께 앉아 불과 몇 미터 앞에서 실제 사람이 뛰어난 기량과 예술성을 펼치는 장면을 보는 감각을 완전히 재현할 수는 없습니다. 그 공유되고, 순간적으로 사라지는 경험은 비용을 지불할 가치가 있고, 관객은 그래서 다시 찾아옵니다.

관객 입장에서는, 내가 예매한 공연 티켓 뒤에 있는 경제 구조를 이해하는 것만으로도 감상의 층위가 한 겹 더해집니다. 공연 티켓을 예매한다는 것은 단지 즐길 거리를 사는 일이 아니라, 아름답고도 찰나의 무언가를 만들기 위해 삶을 바치는 예술가, 장인, 기술자, 창작 전문가로 이루어진 생태계 전체를 지원하는 일입니다. 참 멋진 일이지요.